在一个“黑屋子”里，运用声光电等多媒体手段和互动体验，让观众“沉浸”其中。随着沉浸式展览越来越多，有人困惑：从“禁止拍照”到策展时就已设置好“网红拍照点”，展览的角色在发生着怎样的改变？

　　90后女孩杨荟琰想起2019年8月初的那个午后，在北京文艺青年汇聚的艺术街区798，她为了看一个由某著名互动艺术团队打造的光影艺术展，花了一百大几十的票价，单程一个小时的路程，户外排了几十分钟的队，最后在展厅里只待了一个小时。“现场效果和宣传照有很大出入。照片上像是爱丽丝漫游仙境，现场像去了趟菜市场。人太多了，啥情操也没陶冶到，只看了个热闹。”

　　当然，也有美好的回忆。杨荟琰在故宫博物院看过互动艺术展《清明上河图3.0》，观众以第一人称体验北宋都城汴京的烟火百态，成为长卷中的人物，让人看完后许久念念不忘。

　　看展，已经成为当下年轻人的重要生活方式之一，沉浸式展览近年则成为“网红”——在一个“黑屋子”里，运用声光电等多媒体手段和互动体验，让观众“沉浸”其中。随着沉浸式展览越来越多，也有人提出困惑：展览真的能让人“沉浸”吗？观众是来拍照还是来看展的？

　　追逐文化流行，不忘文脉根基

　　“在内容方面，我希望看到动漫类的，比如哆啦A梦、龙猫，还有高品质的文物展。在技术层面，希望沉浸式展览能够布景精致、投影清晰、有良好接待能力。”杨荟琰说，自己去看沉浸式展览，期待的是让身心放松的愉悦环境，同时能学到知识。

　　杨荟琰的想法，代表了大多数普通观众的心声，所谓“寓教于乐”。

　　在搜索引擎键入“沉浸式展览”，近日正在展出的就有《你，我的缪斯》《遇见敦煌·光影艺术展》等多个大型展览。

　　《遇见敦煌》由原中央工艺美院院长常沙娜担任艺术顾问，她自幼随父亲常书鸿在敦煌临摹壁画，致力于将古代壁画的传统图案与现代设计结合。在她看来，艺术与科技结合是时代发展的趋势，可以快速地让更多人了解丰富的文化，光影艺术展，就是一种新的实验与实践。但常沙娜同时强调，“在追逐文化流行的同时，我们不要忘记文脉的根基”。

　　在这个展览中，取自敦煌石窟《鹿王本生图》的灵感，以动画重新演绎了九色鹿勇救落水人的故事；近乎实际尺寸大小的敦煌造像、壁画，通过光影展现；贯穿展览的音乐，使用了琵琶、箜篌、筚篥、鼓等与敦煌匹配的乐器。

　　北京大学考古文博学院博士生奚牧凉发现，近年来用声光电打造的沉浸式展览越来越多，也经常和博物馆形成互动，比如湖南省博的马王堆汉墓投影，现代光影技术仿佛让观众重回2200多年前辛追下葬的那一天，“这肯定是一个好事儿，观众看完之后能有更全面、更立体、更直观的感受”。

　　在奚牧凉看来，参观沉浸式展览就像看一个演出，有特定的参观流程，一个一个场景地看下去；也像是一种大众文化的快消品，给人带来更明确更强烈的刺激。“去博物馆看一个展览，需要你有意愿主动去学习；去体验一个沉浸式展览，相对轻松。当观众更舒服地接受了沉浸式展览的预设后，还能不能独立思考，那就是另外一个话题了。”

　　有的是“幻灯片展”，有的能让人“惊心动魄”

　　马昕创办的公司，在国内较早开始做沉浸式展览，在他的观察中，大约从2016年、2017年开始，沉浸式展览呈现一个绝对上升的趋势，当时一个莫奈的展览曾引发观者如堵。

　　“沉浸式展览，从技术上来说是用数字的方式来呈现，这种形态此前在商业领域应用较多，比如车展、数码产品发布。当技术和艺术结合，一种新的展览形态就诞生了。”马昕说。沉浸式展览刚在国内出现时，观众都感觉特别新鲜：过去看展约等于盯着一幅作品或者一件物品看；现在，观众置身于一个更大的场景中，周遭的一切都“动”了起来，还有音乐，甚至还有气味，带来全方位的感受，“一个好的沉浸式展览能让人‘惊心动魄’”。

　　有需求就有供给，于是从2018年开始，沉浸式展览如雨后春笋，尤其在北京上海等年轻人文化生活活跃的一线城市。“质量可以说参差不齐，有的展览根本谈不上沉浸，就是一个‘幻灯片展’。”马昕说。

　　2018年，马昕做了一个沉浸式展览《你，我的缪斯——从梵高到马蒂斯》，呈现的是从梵高到马蒂斯的百年经典画作，视觉上，达到裸眼3D的效果，策展上，每个艺术家匹配独立的音乐，每个空间有自己的故事和气味。这个系列已经成为IP，迄今已经做了14位艺术家的展览。

　　“随着看过的沉浸式展览越来越多，观众自然开始明白，什么是好的展览，不好的自然会被市场淘汰。”马昕说，2020年年初暴发的新冠肺炎疫情，让线下展览一度停滞，但对艺术创作者来说，也是静下来思考沉淀的机会。

　　马昕认为，一个好的沉浸式展览，除去IP这个观众各有所爱的软性因素，还需要符合一些硬性条件：其一，一个封闭的、暗场的大型展厅，为展览提供物理空间；其二，一套好的投影设备，为光影效果提供技术保障。“作为与科技密切相关的展陈方式，必须建立在这些基础之上。”

　　拍照成为观展的程序之一？

　　在年轻人聚集的问答社区知乎上，有人提问，“从‘禁止拍照’到策展时就已设置好‘网红拍照点’，展览的角色在发生着怎样的改变”？从某种意义上说，沉浸式展览淋漓尽致地体现了这种转变。比如，在798的那个展览上，杨荟琰发现，“大部分人去是为了拍照，现场看到许多穿着各种奇装异服自拍的”。

　　“了不起的苏小姐”在这个问题下回答，其实一些“网红”展览并不能算艺术展，既无主题也无艺术家，展览存在的意义就是给人提供拍照的彩色布景。而这也并不是中国才有的文化现象。在美国，从2015年开始，一些大城市就出现了一批批Instagram的拍照圣地，不仅门票价格不菲，门口还常常排队，“这类沉浸式展览，实际上属于娱乐场所”。

　　也许与拍照相比，更让观众不舒服的观展体验是：人太多、太闹！此前，一个梵高艺术的沉浸式展览在中国国家博物馆举办，用影像技术还原梵高200多幅画作。然而，现场引导欠佳、拍照的人原地不走、孩子追逐打闹……这都让奚牧凉觉得沉浸感大大受挫。

　　马昕觉得，拍照并非坏事。以前人们觉得博物馆、美术馆是“高大上”的地方，沉浸式展览的出现，让人们感知艺术的门槛降低，把本来在馆外徘徊的一部分人吸引进馆。

　　“中国的观展市场近几年刚刚起步，观众去看展后，拍照发朋友圈成为必须要做的事。人们在社交媒体上立一个爱看展览的人设，至少说明他们觉得这是一件值得‘炫耀’的事。”马昕说，“换个角度，看艺术展览能成为年轻人追捧的生活方式，这是一件好事。发朋友圈的时候，得想文案吧，那就得去了解下这个展览的内涵、这个艺术家的故事，这就自然而然开始接受文化的熏陶了。”

　　作为策展方，马昕坦言，其实沉浸式展览在设计之初，就会有意识地为观众提供拍照的便利，比如，设置一些打卡场景，在宣传时还会教你如何拍照好看，“从传播的角度，观众分享照片，即是对展览的宣传，而且互动本身也是沉浸式展览很重要的一部分”。

　　“有的沉浸式展览的确很适合拍照，但这不是展览最终的追求。我们依然希望观众进来这个‘黑屋子’后，能和艺术家有灵魂的交流。”马昕说。（中青报·中青网记者 蒋肖斌）